viernes, 27 de noviembre de 2009

Los años 50, 60, 70, 80









Estar a la moda es altamente subjetivo, pues el estilo y el vestuario lo pone cada persona.

Sin embargo, algo que no se puede desconocer a la hora de vestirse es el comportamiento del clima, pues éste determina la textura, el grosor y el diseño de las prendas.

Teniendo en cuenta estas predicciones climáticas los diseñadores de modas prevén que lo que estará en furor serán los colores cálidos y la ropa suelta que permita una alta comodidad.

Dentro de estos modelos lo que prevalece para el 2009 son los estilos que se manejaban en los colegios y universidades anglosajonas de los años 50 y 70, lo que agrupa el look, retro y los materiales tecnológicos en prendas descomplicadas y funcionales.

Los tonos son pasteles, pues van desde el rosa, gris, azul tenue hasta el clásico negro que no podría excluirse.

Por ejemplo, para los jóvenes está el jeans clásico descolorido en ciertos segmentos y con bota amplia o para las jovencitas jeans pesquero, acompañado de una camiseta con colores degrade vivos (amarillos, azules claros, naranjas, violetas y verdes, entre otros) como si fueran pintadas y con algún estampado y por si hace frío un chaleco térmico.

Obviamente, acompañado de tenis o, para las mujeres, de unas zapatillas con un mínimo tacón de colores y estilos variados.

ALGO MAS FORMAL Para los ejecutivos predominan las rayas y cuadros en los vestidos ajustados para hombre ya sean con un tinte tenue y delgado, como gruesa y pronunciadas. Los colores son clásicos azules, grises, negros y algunos cafés oscuros y verdes. De otra parte, lo acompañan corbatas de colores cálidos como el verde manzana, amarillos, púrpura y rosados, entre otros.

Para las mujeres sastres con tonos pasteles verdes manzana, azul cielo y zanahoria con escotes y con blusas en forma de globo.

La diseñadora Carolina Devia explicó que las tendencias seguirán con una silueta ajustada al cuerpo para enmarcar las curvas de la mujer.

Tendencia retro chip que son cortes interio y todos los vestidos que sean sensuales.

“Se imponen las telas de calidad y cómodas. Se impondrá la minifalda y pantalones cortos, los estampados sobre todo en animal print (aquellos que emulan la piel de los animales)”.

Unos de los accesorios que acompañarán a estas prendas serán los collares grandes de piedra, madera, o cualquier elemento de la naturaleza y los cinturones o lazos grandes y llamativos en la cintura.

Las faldas no pasarán desapercibidas este año, pues hay para todos los gustos cortas, largas, con boleros, rectas y de varios colores para poder elegir.

LO RETRO ESTA IN En los últimos años se ha impuesto en muchos aspectos de la vida cotidiana la vuelta al pasado, lo retro, el uso de objetos vinculados a cosas que en los años 50, 60 y 70 hicieron historia.

Tendencia que se aplica no sólo a la moda a nivel de vestuario, sino en todos los ambientes. Por ello, las personas que conservan ciertos objetos en el desván se han preocupado por buscarlo, limpiarlo y traerlo nuevamente a la vigencia.

ALGUNOS ACCESORIOS QUE COMBINAN Una lujosa tentación dicen los diseñadores cuando se refieren a las joyas “son increíblemente femeninas y esta temporada las tendencias vienen marcadas por el mestizaje”.

De oro blanco, diamantes, cristal o acero… no importa tu estilo, si te deslumbran las joyas de influencia oriental, caes rendida ante el lujo más sencillo o prefieres los motivos naturales, estás de suerte… Para las más originales, la bisutería se llena de color y de diseños divertidos.

EN LO INTERNACIONAL Oscar de la Renta es el diseñador latino con la propuesta más colorida, especialmente en sus vestidos de noche.

Este diseñador regresa a las líneas clásicas con piezas largas, escotadas, faldas en forma A. Y a estas líneas les da chispa con colores como el azul eléctrico, como el amarillo con las flores negras
Está claro que los años 60 dieron lugar a una auténtica revolución en muchos aspectos. La moda fue uno de los ámbitos en los que se produjo un auténtico cambio. Surge el concepto de la ropa diferente, original, divertida y extravagante. El glamour y el lujo de años anteriores dejan paso a la psicodelia.

La cultura pop marca un camino distinto en la moda de aquellos años con el uso de estampados y materiales como el plástico. Se llevan las gafas grandes, de pasta y los cinturones anchos.

Pero la prenda con más éxito, que supuso uno de los hechos claves en la década de los 60, fue la minifalda, de la mano de Mary Quant.

Gran Bretaña, desplazando a Italia y a Francia, se transforma en el centro de la movida cultural. El resto del mundo centra su atención en el estilo del rock británico que se impone sin resistencias. El Mod look arrasa. Las mujeres se maquillan los ojos con gruesas líneas negras. El pelo se lleva corto o con cortes geométricos. También se lleva el pelo largo con postizos combinando todos los colores.
Twiggy, una cantante británica entra de lleno en el mundo de la moda transformándose en un ícono de la década de los 60. Su extrema delgadez deja atrás las sensuales curvas que reinaban en los 50.

No hay que olvidar a los hippies, que en los últimos años de los 60 hacen su aparición. Se convierten en los impulsores de este cambio en la visión del mundo, que promulgaba la paz y el amor, y en la concepción de la moda. Son ellos los primeros en revolucionar la moda y crear estilos diferentes a lo visto hasta el momento.

La moda es una representación de la evolución política, económica y social de un pueblo en donde todo repercute en nuestra manera de vestirnos y desenvolvernos. Sus cambios son producto de un desarrollo global de la sociedad y además es una prolongación de nuestro cuerpo.

Los 60 fueron años en que la juventud reclamó su participación y se posicionó de un espacio que antes les estaba vetado. La liberación fue producto de una serie de cambios políticos, sociales y económicos, pero fue la música la que principalmente desencadenó las mentalidades juveniles reprimidas durante tanto tiempo. Fueron años de diversión y de una constante búsqueda de identidad.

La década siguiente comenzó con la entrada en la adultés de esta generación que de a poco fue perdiendo la incandescencia de años anteriores. Esta tranquilidad se reflejó en una vuelta hacia la naturaleza y en la utilización de materiales nobles y sencillos como el algodón y la lana. Era un estilo simple, sin producción de peinados ni maquillaje.
Por entonces se produjo una fiebre por lo "retro", las tiendas de ropa usada estaban de última moda y en una época de escasez, sus precios eran los más convenientes.

El inconformismo con un mundo ambicioso y conflictivo los llevó a mirar hacia oriente, específicamente hacia la India y su religión el Hindú. Numerosos artistas como The Beatles y Jane Fonda entre otros, profesaron este culto y lo expandieron por occidente, de cuya experiencia se extrajo una moda que más que una simple manera de vestir, fue todo un movimiento social: el Power Flower Hippie. Radicados en la ciudad estadounidense de San Francisco, los jóvenes vivían en comunidades, consumían comida macrobiótica y fumaban libremente marihuana. Bajo este estilo de vida nacieron los clásicos "patas de elefante", las camisas hindú, el pelo largo y desordenado y un pacifismo cuyo principal centro de ataque era la Guerra de Vietnam y el gobierno norteamericano.
La música también jugó un rol fundamental. La experimentación y los sonidos más radicales y disonantes de artistas como Janis Joplin, Jimmy Hendrix y el destructivo Jim Morrison, hacían delirar a las drogadas masas y se transformaron en mitos vivientes de toda esta generación.

Mientras tanto las flores, símbolo de la época, se usaban tanto en la ropa como en el pelo y representaban la ideología utópica que los guiaba en la llamada "Revolución de las Flores".

Durante el transcurso de estos años se presentaron dos polos bien definidos de jóvenes: aquellos que sólo querían divertirse y aquellos que buscaban una participación activa en el país. Estos últimos participaban en movimientos estudiantiles y políticos y aspiraban a lograr un verdadero cambio social, profundo y comprometido. A diferencia de las épocas anteriores en las que existía una hegemonía mundial en cuanto a moda y actitud, esta realidad correspondía principalmente a la latinoamericana en general y a la chilena en particular. Eran idealistas por naturaleza y querían cambiar el mundo.

A este movimiento se sumó la creciente popularidad del feminismo, que repercutió en una marcada masculinización de la vestimenta. Las mujeres buscaban la comodidad más que la estética y la ropa ya no tenía sexo, eran prendas unisex. El pelo tampoco era ya un signo de distinción; caminando de espalda, muchos hombres parecían mujeres de eternas cabelleras.

Ya entrados los años 70 se desató una pluralidad de formas y estilos. Como en toda época, una parte del cuerpo femenino llamaba la atención por sobre el resto y los trajes y vestidos se encargaban de resaltarla. Esta vez fue el turno de las nalgas, las que se lucían con ajustados pantalones. El ser extremadamente delgada, sin pechos ni caderas prominentes, eran la herencia dejada por el culto a una belleza anoréxica cuya principal exponente fue la modelo inglesa Twiggy. Hacia finales de la década, la irrupción de los brillos y bailes de "Fiebre de Sábado por la noche", la película de culto del momento, trasladó la vida hacia las oscuras horas nocturnas. La diversión, la música con ciertos toques electrónicos, las discoteques y las luces hiperkinéticas hicieron de la moda una fiesta. El algodón fue desplazado por la lycra y las ojotas de cuero dieron paso a las botas y zapatones de tacón tipo sueco, con una altura exagerada.

La sencillez del maquillaje y el pelo lacio y suelto, se transformó en una producción multicolor y estrafalaria de estilos y formas más complejos y despampanantes. El pelo crespo y voluminoso tipo Donna Summer o Jackson Five, guiaban la estética mientras la música "disco" de grupos como "ABBA", "K.C and The Sunshine Band" y Gloria Gaynor entre otros, hacían vibrar a una generación que quería pasarlo bien.

Derivando de este estilo estrafalario y original, nació una corriente que fusionó los colores de ésta con el inconformismo de los primeros años. Fue así como a principios de los 80 el "Punk" irrumpió en las calles de Gran Bretaña.

Representantes del anarquismo y transgresores en su propuesta estética y musical, rompieron con una moda "políticamente correcta" y sacaron a relucir artículos y peinados con un marcado significado violentista y anti-monárquico.
Más adelante en el tiempo, los colores fuertes, los estampados y las hombreras gigantes pusieron de moda los "excesos". Todo era recargado; los peinados enlacados y la superposición de prendas rodeadas por un grueso cinturón, llevaron la moda a su peor momento histórico y derivó en una propuesta grotesca y artificial. Esta tendencia está directamente relacionada con la música "New Wave" de grupos como Erasure y Depeche Mode y marcó los inicios de nuestro contemporáneo "Techno".
La moda en los 80: No pasaba desapercibida
El estilo de esos años verdaderamente impactaba por los colores, los accesorios y los peinados.

La moda de los años 80 es quizás una de las más recordadas. El volumen, los colores y las exuberancias eran moneda corriente al vestirse. Si durante los 70 las remeras se usaban apretadas y los pantalones sueltos, en los 80 eso cambiarían rotundamente.

Las piezas más emblemáticas de la década fueron las remeras holgadas y coloridas, frecuentemente estampadas y con grandes hombreras; también los pantalones ajustados; los chalecos, las faldas rectas y minifaldas. Las mujeres se subían a zapatos de taco alto y usaban cantidades de pulseras. Los peinados abundaban en rulos, jopos y flequillos, el maquillaje era recargado. Los pantalones vaqueros o jeans, también fueron protagonistas debido a que los tratamientos de pre-lavado los hacían lucir decolorados y chic. La lencería iba adquiriendo también un lugar importante en la moda.

El uso de colores era variado, aunque el blanco y el negro tuvieron su gran momento.

El lujo y la ostentación se hacían sentir a través de la alta costura y de la mano de algunos diseñadores como Christian Lacroix, que reflejaban el significado elitista de la moda. Calvin Klein y Giorgio Armani se encargaban de vestir perfectamente a la mujer para el trabajo.

El estilo Punk influía en los varones con el uso de aros y el género musical New Wave glorificaba los brazaletes de cuero y las tachas.

Madonna impuso su estilo con polleras pantalón, medias de red, leggings, tops crucifijos, guantes sin dedos y cadenas de strass, Michael Jackson popularizó las chaquetas, los pantalones de cuero y el uso de cierres.

Había que estar en forma y mostrarse, por eso, el trabajo con el cuerpo era una aspiración a las líneas de las supermodelos que comenzaban a surgir marcando tendencias. En estos años se difunde mucho la vestimenta de gimnasio, ligera e informal como las calzas, las polainas y las vinchas de múltiples colores.

Minimal



El minimal es un género de música electrónica basado en la tendencia artística del minimalismo. Éste es resultado de la evolución de súbgeneros dentro de otros géneros de música electrónica, como el minimal tecno, minimal trance, minimal house entre otros. Estos fueron perdiendo gradualmente los elementos que los ligaban a otros géneros, hasta que nació una escuela de música minimalista con caraterísticas distintivas como para ser clasificado como un género nuevo y aparte de sus precursores.

El minimal se caracteriza por usar la tecnología actual para manipular el sonido y obtener texturas abstractas creando música a partir de sonidos mas que de melodías, armonía o acordes aunque fragmentos muy pequeños de estos elementos pueden ser encontrados en algunas canciones. Otra característica particular de este género es que muchos productores han decidido romper con la clasica estructura de 4/4 y utilizar otras rítmicas como 3/4 7/8 ó tresillos La base ritmica del Minimal comunmente es producida a base de Glitch, lo que hace sonarla como quebrada y repetitiva.
inimal Techno es una variante de la música electrónica Techno. Es un sonido basado principalmente en las percusiones, con cambios sutiles en los ritmos y en sonidos experimentales. Como su nombre indica, este género es fruto de la escuela del minimalismo como consecuencia de la experimentalidad de los sonidos que crean las estructuras. Posteriormente, fueron reducidos los BPM de sus bases musicales junto a inyecciones de groove (por parte de Herbert y Steve Bug, por ejemplo).
Algunos de los artistas experimentales que fueron precursores de este género son el canadiense Plastikman y los alemanes Porter Ricks, Vainqueur o Monolake. De igual forma, el sello canadiense Minus y los alemanes Chain Reaction y Basic Channel, produjeron los temas de los citados artistas. Más adelante, fue producido por artistas más conocidos de las escuelas de Detroit y Berlín, como Jeff Mills, Robert Hood, el sello alemán Tresor, etc. Actualmente goza de mucho éxito en la escena musical y comúnmente se le identifica simplemente como minimal sin relacionarlo con el techno. Desde la ciudad de Barcelona hasta Finlandia, pasando por Colonia, Londres y París; diluido con electro o house, gran cantidad de djs lo reproducen hoy en día.
Diferentes sellos discográficos como Plus 8, Force Inc, Traum, Shitkatapult, Trapez, Perlon, stucazz, Kompakt y m_nus se centran casi exclusivamente en este género musical. Su máximo exponente en la actualidad es el afamado sueco Jeff Bennett, el cual es aclamado en los clubs de Europa oriental, además de presentarse con éxito en España, con sus hit's Sediment, Snow Diving y Delving que han dado la vuelta al mundo. Tambien hoy en dia el Minimal se usa para las fiestas "After Hour" de relajación.
La música minimalista es un género originario de Estados Unidos que se cataloga como experimental o música downtown que empezó a ser creada en los años 1960 basada en la armonía consonante, en pulsos constantes, en lo estático o en las lentas transformaciones, a menudo en la reiteración de las frases musicales en pequeñas unidades como figuras, motivos y células. Este movimiento empezó a comienzos de los 1960s como un movimiento underground en los espacios alternativos de San Francisco y pronto se empezó a oir en los lofts de New York, el minimalismo se expandió hasta ser el estilo más popular de la música experimental del siglo XX. En sus inicios llegó a involucrar a docenas de compositores, a pesar de que sólo cuatro de ellos lograron relevancia - Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass, y, con menos visiblidad aunque original, La Monte Young. En Europa sus mayores exponentes son Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Stefano Ianne, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt, Wim Mertens,José Travieso y John Tavener.Historia.

La palabra "minimalista" fue empleada por primera vez en el año 1968 en relación con la obra de Michael Nyman en una revisión que se hizo de su pieza Cornelius Cardew del álbum The Great Digest. Nyman posteriormente expandió su definición de minimalismo en la música en su libro del año 1974 Experimental Music: Cage and Beyond. Tom Johnson, uno de los pocos que se autoreconoce como minimalista en el campo de la música, reclama ser uno de los pocos compositores que ha sido el primero en usar esta categoría al analizar The Village Voice. El describe el "minimalismo" como (1989, 5):
La idea de minimalismo es mucho más amplia que la mayoría de la gente piensa. Suele incluir por definición cualquier música que se implementa con una pequeña, mínima o limitada cantidad de recursos musicales: piezas que emplean una pequeña cantidad de notas o frases musicales, o piezas escritas con sólo una pequeña cantidad de instrumentos caseros o simples, tal y como timbales, ruedas de bicicleta o vasos de whiskey. Pueden ser piezas que sostienen ritmos báscos y repetitivos a lo largo del tiempo. Se puede incluir a la música realizada el ruido que generan eventos naturales como por ejemplo las corrientes de los ríos. Piezas que tienen ritmos cíclicos sin final. Piezas de ritmos extraños elaborados con los sonidos de un saxofón y su eco sobre una pared. Puede incluir piezas con ritmos que varían lentamente a lo largo del tiempo y que migran gradualmente a otras melodías. Pueden ser piezas que expresan todas las graduaciones entre dos notas , como puede ser Do y Re. Puede una pieza con un tempo lento que tiene una densidad musical de dos o tres notas por minuto.
Algunos de los compositores más prominentes de la música minimalista son John Adams, Louis Andriessen, Philip Glass, Michael Nyman, Steve Reich, Terry Riley,La Monte Young y emc X. La lista puede crecer o disminuir en función de las definiciones que se hagan de la música minimalista, y éstas dependen en gran medida de la instrumentación de la estructura, en las primeras etapas las composiciones de P. Glass y E. Reich tendían a ser muy austeras, con un pequeño intento de embellecer el tema musical principal, las composiciones en estos momentos eran pequeñas realizaciones instrumentales (en las que los propios compositores eran los ejecutores), en algunos casos como el de Glass elaborados con órganos, winds— particularmente saxofones; inclusión de vocalistas, en el caso de Reich el empleo de mazos e instrumentos de percussion. (Los trabajos son planteados para una combinación de instrumentos particular: una pieza de Reich, para remarcar esta característica se denomina "seis pianos" - Six Pianos,fue compuesta justamente con estas características.) En los trabajos de composición de Adams, por ejemplo, se nota la influencia de la música clásica y sus composiciones son más orquestales, cuartetos de cuerda, incluso solos de piano; existen apariciones de coros minimalista en sus composiciones, pero existe una filosofía más tradicionalista en su diseño y una diversisdad estilística detrás de sus diseños de música minimalista, según una frase de Adams su trabajo es tan invariable a lo largo del tiempo en el uso de los elementos esenciales y de los instrumentos que, por si mismo, puede denominarse como otro trabajo minimalista.
La relevancia del movimiento minimalista hizo que existieran otros epónimos en otras áreas del arte, como por ejemplo en la escultura, la arquitectura, etc. en todos ellos los "simple" y lo repetitivo aparece como expresión de lo "mínimo", lo "obvio" en las formas, lo "geométrico" y siempre evitando lo decorativo. La música de Reich y Glass pronto fue relacionada con las exposiciones de las galerías de arte y museos de arte moderno debido a que era una forma de esponsorizar la música, de esta forma las obras de arte se presentaban acompañadas integradas con las obras minimalistas visuales, algunos compositores como Sol LeWitt se hicieron prominentes en esta operación. Un aspecto que posee la música minimalista con respecto al resto de las artes minimalistas es su ausencia (al menos conceptual) de variaciones decorativas.

MÚSICA MINIMALISTA:
La música minimalista es un género originario de Estados Unidos que se cataloga como experimental o música downtown que empezó a ser creada en los años 1960 basada en la armonía consonante, en pulsos constantes, en lo estático o en las lentas transformaciones, a menudo en la reiteración de las frases musicales en pequeñas unidades como figuras, motivos y células. Este movimiento empezó a comienzos de los 1960s como un movimiento underground en los espacios alternativos de San Francisco y pronto se empezó a oir en los lofts de New York, el minimalismo se expandió hasta ser el estilo más popular de la música experimental del siglo XX. En sus inicios llegó a involucrar a docenas de compositores, a pesar de que sólo cuatro de ellos lograron relevancia - Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass, y, con menos visiblidad aunque original, La Monte Young. En Europa sus mayores exponentes son Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Stefano Ianne, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt, Wim Mertens,José Travieso y John Tavener.

HISTORIA:
La palabra "minimalista" fue empleada por primera vez en el año 1968 en relación con la obra de Michael Nyman en una revisión que se hizo de su pieza Cornelius Cardew del álbum The Great Digest. Nyman posteriormente expandió su definición de minimalismo en la música en su libro del año 1974 Experimental Music: Cage and Beyond. Tom Johnson, uno de los pocos que se autoreconoce como minimalista en el campo de la música, reclama ser uno de los pocos compositores que ha sido el primero en usar esta categoría al analizar The Village Voice. El describe el "minimalismo" como (1989, 5):
La idea de minimalismo es mucho más amplia que la mayoría de la gente piensa. Suele incluir por definición cualquier música que se implementa con una pequeña, mínima o limitada cantidad de recursos musicales: piezas que emplean una pequeña cantidad de notas o frases musicales, o piezas escritas con sólo una pequeña cantidad de instrumentos caseros o simples, tal y como timbales, ruedas de bicicleta o vasos de whiskey. Pueden ser piezas que sostienen ritmos báscos y repetitivos a lo largo del tiempo. Se puede incluir a la música realizada el ruido que generan eventos naturales como por ejemplo las corrientes de los ríos. Piezas que tienen ritmos cíclicos sin final. Piezas de ritmos extraños elaborados con los sonidos de un saxofón y su eco sobre una pared. Puede incluir piezas con ritmos que varían lentamente a lo largo del tiempo y que migran gradualmente a otras melodías. Pueden ser piezas que expresan todas las graduaciones entre dos notas , como puede ser Do y Re. Puede una pieza con un tempo lento que tiene una densidad musical de dos o tres notas por minuto.
Algunos de los compositores más prominentes de la música minimalista son John Adams, Louis Andriessen, Philip Glass, Michael Nyman, Steve Reich, Terry Riley,La Monte Young y emc X. La lista puede crecer o disminuir en función de las definiciones que se hagan de la música minimalista, y éstas dependen en gran medida de la instrumentación de la estructura, en las primeras etapas las composiciones de P. Glass y E. Reich tendían a ser muy austeras, con un pequeño intento de embellecer el tema musical principal, las composiciones en estos momentos eran pequeñas realizaciones instrumentales (en las que los propios compositores eran los ejecutores), en algunos casos como el de Glass elaborados con órganos, winds— particularmente saxofones; inclusión de vocalistas, en el caso de Reich el empleo de mazos e instrumentos de percussion. (Los trabajos son planteados para una combinación de instrumentos particular: una pieza de Reich, para remarcar esta característica se denomina "seis pianos" - Six Pianos,fue compuesta justamente con estas características.) En los trabajos de composición de Adams, por ejemplo, se nota la influencia de la música clásica y sus composiciones son más orquestales, cuartetos de cuerda, incluso solos de piano; existen apariciones de coros minimalista en sus composiciones, pero existe una filosofía más tradicionalista en su diseño y una diversisdad estilística detrás de sus diseños de música minimalista, según una frase de Adams su trabajo es tan invariable a lo largo del tiempo en el uso de los elementos esenciales y de los instrumentos que, por si mismo, puede denominarse como otro trabajo minimalista.
La relevancia del movimiento minimalista hizo que existieran otros epónimos en otras áreas del arte, como por ejemplo en la escultura, la arquitectura, etc. en todos ellos los "simple" y lo repetitivo aparece como expresión de lo "mínimo", lo "obvio" en las formas, lo "geométrico" y siempre evitando lo decorativo. La música de Reich y Glass pronto fue relacionada con las exposiciones de las galerías de arte y museos de arte moderno debido a que era una forma de esponsorizar la música, de esta forma las obras de arte se presentaban acompañadas integradas con las obras minimalistas visuales, algunos compositores como Sol LeWitt se hicieron prominentes en esta operación. Un aspecto que posee la música minimalista con respecto al resto de las artes minimalistas es su ausencia (al menos conceptual) de variaciones decorativas.

COMPOSICIONES INICIALES:
La música minimalista tiene sus orígenes tanto en las corrientes del conceptualismo como de la música dodecafista. El primer trabajo identificable de la música minimalista es la composición del trío de cuerdas en 1958 que diseñó La Monte Young. La música se escribe empleando las técnicas dodecafonistas, pero las notas se extienden en el tiempo enormemente; la primera nota en la composición se sostiene en el tiempo (en un tempo anotado) de cuatro minutos y 33 segundos. En esta acción el trío de cuerdas comienza otra obra musical.
En el año 1960, Terry Riley escribió una composición para un cuarteto de cuerda en un puro Do mayor. En el año 1963 Riley compuso dos trabajos de música electrónica empleando el retraso de las grabadoras electrónicas, Mescalin Mix y The Gift, which injected into minimalism the idea of repetition. Next, Riley's 1964 masterpiece In C made persuasively engaging textures from con frases repetidas durante su ejecución. El trabajo fue compuesto para un grupo de instrumentos. En los años 1965 y 1966 Steve Reich produce tres composiciones —It's Gonna Rain y Come Out para casete, y Piano Phase para actuaciones en directo que introducen la idea de desplazamiento de fase, es decir, son melodías con frases musicales casi idénticas pero desplazadas en el tiempo, y que poseen además diferentes velocidades de ejecucción la una con respecto a la otra. Comenzando en el año 1968 con la composición 1 + 1, Philip Glass escribió una serie composiciones que incorporaban el proceso aditivo (basado en secuencias como 1, 1 2, 1 2 3, 1 2 3 4) en un repertorio de técnicas minimalistas; estas composiciones incluían Two Pages, Music in Fifths, Music in Contrary Motion, y otros. Llegado a este punto la música minimalista comenzó su andadura.

ESTILO MINIMALISTA DE LA MÚSICA:

Armonía estática (una tendencia a permanecer en un acorde, o a moverse de forma retrógrada o directa entre un grupo o repertorio de acordes);
Repetición de breves motivos (este es el estereotipo más reconocido en la música minimalista, A través de diferentes autores se ha propagado esta característica, como puede ser las instalaciones Young de tono sinoidal, las improvisaciones de violín de Tony Conrad, las piezas permutacionales de Jon Gibson, los trabajos de Phill Niblock y otros ejemplos instrumetales de este tipo)
Procesos algorítmicos, lineales, geométricos o graduales (tales como la generación de patrones como 1, 1+2, 1+2+3, 1+2+3+4 y así sucesivamente, permutaciones sistemáticas del tipo de las que emplea Jon Gibson en sus composiciones, o los desplazamientos de fase o los bucles repetitivos de Reich en los trabajos de la década de los 60)
Un ritmo estático (a menudo motorizado, pero en algunas ocasiones simplemente restringido a un pequeño repertorio de duraciones temporales)
Instrumentación estática (cualquier instrumento toca al mismo tiempo, en una superposición de melodías, una puesta en escena donde cada instrumento juega el mismo rol participando en igualdad)
"Metamúsica" (detalles sin planificar que van creciendo, o que son amplificados por las percepciones como si fuera un efecto colateral, tal y como aparece en las composiciones de Reich Drumming y Octet)
Uso de tonos puros o atemperaciones justas (uso muy común en las obras tempranas de la música minimalista de Young, Conrad, Niblock y Riley pero posteriormente abandonadas en la práctica más popular de Reich/Glass)
Empleo de influencias no-occidentales en las composiciones (Young, Riley y Glass se inspiraron en la música de la India en algunas de composiciones, Reich estudió la música africana)
Destilado de la esencia de la canción, que se muestra pura sin detalles ocultos, a veces sin significado léxico. La estructura de la voz llega al auditorio sin contenido, ritmica y repetitiva.



Diseño De Modas


Teniendo en cuenta estos los fines a lograr, se puede crear una cobertura o vestido. Dependiendo de la calidad con que se mezclen y cantidad de fines mezclados obtendremos mejores o peores resultados.
La psicología de la moda influye en muchos aspectos dentro del ser humano, por ejemplo: el hecho de como el color de una prenda puede llegar a cambiar tu estado de ánimo, o bien como te quita o te da seguridad para unirte a un grupo social.
Cuando la psicología del individuo bascula entre lo establecido como normal, puede hacerse un análisis a través de la vestimenta de su personalidad, nivel cultural, ambiciones, pasatiempos, lugar de origen, gustos musicales, condiciones físicas, complejos...
En caso de que haya picos de algún tipo en la función de lo establecido como normalidad psicológica, la imagen podría ser infiel a la realidad del individuo demostrando así una carencia adaptativa, dependencia, introspección, inteligencia de imagen, baja autoestima, vanidad... Es decir, cuanta más distancia hay entre la imagen proyectada y la realidad, más alto es el valor positivo o negativo de la función de la psicología normal.
La cobertura puede ser un fiel reflejo del alma o totalmente lo contrario dependiendo de la salud mental del individuo, así que, debería considerarse la vestimenta como herramienta analítica en psicología.

Características:

El diseño de modas difiere del diseño de vestuario debido a que su producto principal tiende a quedar obsoleto después de una o dos temporadas, usualmente. Una temporada está definida como otoño-invierno o primavera-verano. Se considera generalmente que el diseño de modas nació en el siglo XIX con Charles Frederick Worth, que fue el primero en coser a las prendas una etiqueta con su nombre. Mientras todos los artículos de vestimenta de cualquier período de la historia son estudiados por los académicos como diseño de vestuario, sólo la ropa creada después de 1858 puede ser considerada como diseño de modas.
Los diseñadores de modas crean ropa y accesorios. Algunos diseñadores de alta costura son independientes laboralmente y diseñan para clientes individuales. Otros cubren las necesidades de tiendas especializadas o de tiendas de departamentos de alta costura. Estos diseñadores crean prendas originales, así mismo como los que siguen tendencias de moda establecidas. Sin embargo, la mayoría de los diseñadores de modas trabajan para fabricantes de ropa, creando diseños para hombres, mujeres y niños en el mercado masificado. Las marcas de diseñador que tienen un «nombre», tales como Calvin Klein o Ralph Lauren, son generalmente creadas por un equipo de diseñadores individuales bajo la supervisión de un director de diseño.
Historia.

Comienzos de la alta costura:
El primer diseñador de modas, que no era simplemente un modisto, fue Charles Frederick Worth (1826-1895). Antes de que estableciera su maison couture (casa de modas) en París, el diseño y creación de ropa era manejado por un gran número de modistas anónimas, y la alta moda estaba basada en los estilos usados en cortes reales. El éxito de Worth fue tal que pudo ordenar a sus clientes lo que debían usar, en lugar de seguir su dirección como los modistos solían hacer. El término couturier (costurero) fue, de hecho, acuñado para referirse a él. Fue durante este período que muchas casas de modas comenzaron a contratar artistas para bosquejar o pintar diseños de prendas. Las imágenes por sí mismas podían ser presentadas a los clientes de forma mucho más económica que produciendo una prenda de muestra en el taller de trabajo. Si al cliente le gustaba la prenda, ésta era ordenada y pagada. Por lo tanto, la tradición de bocetos de prendas comenzó como un método de las casas de modas para economizar.

Comienzos del siglo XX:
Durante los primeros años del siglo XX, prácticamente toda la alta moda se originó en París y en menor medida en Londres. Las revistas de modas de otros países enviaban editores a los espectáculos de moda de París. Las tiendas de departamentos mandaban compradores a los desfiles de París, donde compraban prendas para copiar (y robaban abiertamente las líneas de estilo y el corte de otras). Tanto en los talleres que fabricaban trajes sobre medidas como las tiendas de ropa lista para usarse (prêt à porter) aparecían las últimas modas de París, adaptadas a las características económicas y cotidianas de los clientes de las tiendas.
En este momento la división entre alta costura y ropa lista para usar no estaba todavía claramente definida. Los dos modos independientes de producción todavía no llegaban a ser competidores, y, de hecho, coexistían en casas donde las modistas elaboraban prendas de ambos modos.
En los primeros años del siglo, las revistas comenzaron a incluir también fotografías de los conjuntos y se volvieron aún más influyentes que en el pasado. En las ciudades alrededor del mundo estas revistas tenían un gran efecto en el gusto público y eran muy solicitadas. Ilustradores talentosos como Paul Iribe, Georges Lepape, Erté y George Barbier dibujaban cuadros de modas exquisitos para estas publicaciones, que cubrían los más recientes desarrollos en moda y belleza. Tal vez la revista de moda más famosa del momento era La Gazette du bon ton, que había sido fundada en 1912 por Lucien Vogel y regularmente publicada hasta 1925, con la excepción de los años de la Primera Guerra Mundial.

Mediados de siglo:
La Segunda Guerra Mundial creó muchos cambios radicales en la industria de la moda. Después de la guerra, la reputación de París como centro mundial de la moda comenzó a declinar, y las modas de confección y manufacturación de masa acrecentaron su popularidad. Un nuevo estilo para la juventud surgió en los años 1950, cambiando el enfoque de la moda para siempre. Mientras la instalación de calefacción central se expandía, lo hacía también la era de prendas de mínimo cuidado, surgiendo así textiles más ligeros y los sintéticos.
Enfrentando la amenaza de productos de moda prefabricados, la alta costura de París se defendió, pero con poco efecto, en cuanto no podía evitar que la moda se colara en las calles. En poco tiempo, enteras categorías de mujeres hasta ahora restringidas a suplantaciones inferiores de la alta costura disfrutarían una gran variedad y libertad de elección. Tratando con volúmenes mayores de productos, los ciclos de producción eran mucho más largos que los de los talleres de costura, lo que significaba que los diseñadores que planeaban colecciones dos veces al año, debían adivinar con más de un año de anticipación lo que sus clientes podían querer.

Últimas décadas del siglo XX:

Durante las últimas décadas del siglo las modas comenzaron a cruzar los límites internacionales rápidamente. Los estilos populares occidentales fueron adoptados alrededor de todo el mundo, y muchos diseñadores que no eran occidentales tuvieron un alto impacto en la moda. Materiales sintéticos como el elastano y la viscosa fueron ampliamente usados y la moda, después de dos décadas de mirar al futuro, volvió a buscar en sus raíces para encontrar elementos de innovación. Es importante resaltar el invalorable aporte de Fernando Ermenegildo Celis Rocha y de La Concha a la moda en la ultima decada.

Tipos de diseño de moda:

Hay tres tipos principales de diseño de modas, aunque pueden ser divididos en otras categorías más específicas:

Alta costura:

El tipo de moda que predominó hasta los años 1950 fue la moda "hecha a medida" o haute couture (francés para "alta costura"). El término "hecho a la medida" puede ser usado para cualquier prenda que sea creada para un cliente en particular. Alta costura, sin embargo, es un término protegido que puede ser usado sólamente por compañías que cumplen ciertos estándares bien definidos por la Chambre Syndicale de la Couture. No obstante, muchas marcas de ropa "lista para usar", e incluso de mercado masivo, afirman crear alta costura, lo que según los estándares, es falso. Una prenda de alta costura está hecha por orden de un cliente individual, y está hecha usualmente de textiles costosos de alta calidad, confeccionada con extrema atención en los detalles y el acabado, generalmente usando técnicas a mano que toman mucho tiempo.

Moda lista para usar:

La moda "lista para usar" (o Prêt-à-porter) es un punto medio entre alta costura y mercado de masa. No está hecha para clientes individuales, pero se toma gran cuidado en la elección y el corte de la tela. La ropa está confeccionada en pequeñas cantidades para asegurar la exclusividad, por lo cual es más bien costosa. Las colecciones de prendas listas para usar son usualmente presentadas por casas de modas en cada temporada durante un período conocido como «semana de la moda» que toma lugar dos veces al año.

Mercado de masa:

Actualmente la industria de moda cuenta sobre todo con las ventas del mercado de masa. El mercado de masa cubre las necesidades de un amplio rango de clientes, produciendo ropa lista para usar en grandes cantidades y tamaños estándar. Materiales baratos usados creativamente producen moda asequible. Los diseñadores de mercado de masa generalmente adaptan las modas establecidas por los nombres famosos en el área de la moda. Esperan generalmente una temporada para asegurarse de que un determinado estilo tendrá éxito antes de producir sus propias versiones de éste. Para ahorrar tiempo y dinero, usan textiles más baratos y técnicas de producción más simples que pueden ser fácilmente ejecutadas por una máquina. El producto final puede ser vendido a un precio mucho más bajo que un producto de cualquiera de los otros dos métodos de producción.

"Djane Lexx" Imagen Coco&Nut 2009




Comenzó su viaje en los sonidos electrónicos a fines de los noventa, en Bogotá, su ciudad natal, mezclando en distintas fiestas y raves. Al poco tiempo, su talento innato la llevaron a ganarse un espacio como residente en el main floor, de uno de los clubes más exclusivos; Club Gótica. Paralelamente recorría diversas ciudades de Colombia mostrando ese carisma por el que todos la conocen.

Queriendo expandir sus horizontes Lexx se radica en Santiago, Chile, lugar desde donde su carrera su potenciaría internacionalmente. De esa manera compartió cabina con djs de gran renombre internacional como Sandra Collins, Richie Hawtin, Ferry Corsten, Miss Dinky, Dj Colett, Filterheadz, Mastiksoul, John Acquaviva, Renato Cohen, Missteress Barbara, Gaetano Parisio, por mencionar algunos.

Así hasta la fecha Lexx recorre constantemente Centro y Sudamérica, dando motivos de sobra de porque es una de las artistas electrónicas más destacadas del continente.

Su increíble desempeño y depurada técnica y que Lexx maneja en sus sesiones, la dejan transitar de un genero sutilmente logrando siempre la euforia del público que baila en sus sesiones

Dj Lexx junto a Electra traen sus mejores sonidos electrónicos:
No es la primera vez que Dj Lexx (o mejor dicho Alexandra González) visita Antofagasta. Ya lleva hace un par de años atrás circundando nuestra ciudad participando en diversos circuitos y fiestas realizadas por el norte.
Es por esa razón que para ella no es una novedad hacer un show junto a un nutrido número de seguidores de las pinchadiscos.
Esta colombiana estará en escena junto a Dj Electra el próximo miércoles en una discoteca, y luego el jueves se trasladarán a Calama.

Giras
Lexx en su largo recorrido por las pistas de América Latina, ha sido residente de diferentes clubes en todos los países en que se ha establecido. Público de clubes como 4 Rooms By Gótica (Bogotá), Tropical Cocktails (Cali, Medellín y Bogotá), Tantra (Quito), Kapital (Esmeraldas), Pecado Capital (Chile), han tenido el placer de disfrutar de sus sesiones.
Sus set's se enmarcan dentro de los sonidos tribales, paseando desde un elegante House, hasta llegar a lo más profundo del Techno Groove. Siempre con un estilo innovador alegre y marcado.

PRESENTACIONES
En su larga lista de presentaciones se destacan Woman on the Mix (rave Miss Dinky), Motorola (Dj Colett & Filterheadz), Moon Tour (Richie Hawtin & John Acquaviva), California Sessions (Shawn King), Tech-Fest (Sergio Parrado y Alferox), Renato Cohen Tour, Urban Tour Entel PCS (Missteress Barbara y Gaetano Parisio), Ferry Corsten World Tour (Santiago), Club Mint (Buenos Aires), Felipe Volumen y Sting Gray (4 Rooms By Gótica).
Actualmente Lexx reside en Santiago, en donde frecuentemente demuestra lo que sabe en los mejores clubes y eventos. A menudo visita distintas ciudades de Chile como: Antofagasta, Iquique, Concepción, Los Angeles y Osorno, llevando con ella lo mejor de sus sonidos electrónicos.

Lexx también ha tocado con dj tiesto:

Uno de los más grandes y reconocidos Djs, a nivel mundial es “Dj Tiesto”, considerado como el mejor Artista Independiente de la música electrónica, según “The DjList”.
De nombre Tijs Verwest, más conocido por su nombre artistico “Dj Tiesto”, es uno de los más grandes y famosos artistas del género independiente, destacado por sus excelente composiciones musicales, basadas en lo más novedoso de los ritmos electrónicos. Nacido un 17 de enero del año de 1969, comenzó su larga y exitosa carrera musical, pinchando en pequeños clubs de su localidad, y para algunas fiestas móviles en las temporadas altas, hasta llegar a convertirse en el famoso Dj de música dance/trance, además de un respetado productor. En su trayectoria Dj Tiest, hizo famosa la frase de “I feel the energy from the crowd and I try to give it back, to create a unity” en castellano “Siento la energía del publico y trato de regresarla para crear una unidad”.

Dj mauro picotto:

Mauro Picotto (Nace el 25 de diciembre de 1966 en Cavour, Italia) Es un famoso productor italiano de techno, remixes y DJ. Anteriormente miembro del grupo Cappella. Es mundialmente conocido por sus temas "Komodo", "Iguana", y "Proximus". Ha colaborado con renombrados artistas del género como son DJ Tiësto y Mario Piu.
Actualmente promueve su propio local nocturno llamado "Meganite". Produce bajo su propia discográfica, Bakerloo.
Nace en la ciudad italiana de Cavour, cerca de Turín, Picotto crecio en el seno de una familia de bailarines y mamposteros.
Picotto anhelaba empezar a hacer sus propias producciones, pero consideró que para tener éxito debe primero convertirse en un DJ y aprender exactamente lo que la gente quería escuchar en un registro. Después de ganar la Copa Walky, competencia en la televisión nacional , un evento para la parte superior DMC DJs en Italia, obtuvo la oportunidad de reunirse con Daniele Davoli que estaba allí para promover su único Box Negro "Ride On Time" , Y esto llevó a Picotto realmente lanzar a sí mismo en la música de producción. Su primera pista "Gonna Get", producido bajo el nombre de la RAF, se convirtió en un éxito y estuvo en el Top Veinte en gran parte de Europa Picotto y así ha atrapado y realmente el error.
Otro RAF liberación seguido, junto a remixes y co-escrito créditos para los gustos de Clubhouse, y la Cappella 49ers. Poco tiempo fue el derecho a publicar una pista en su propio nombre y el consiguiente disco, "Bakerloo Symphony", terminó siendo Número 1 en Italia durante ocho semanas. También en 1996, Mauro fue nombrado socio en los medios de comunicación Records junto a Gianfranco Bortolotti.
1998 lo vio hacer su oferta para el Reino Unido estrellato, con la liberación de los Gatecrasher himno "Lagarto" - un registro que, para muchos, resumió la hegemonía de la nueva sonido trance. La pista terminó siendo un hit Top 30 y fue seguido por otros dos tramos en los reptiles trilogía "Iguana" y "Komodo". Picotto Komodo muescas otro gráfico éxito, entrar en el número 11, así como una actuación en Top of the Pops. Mauro fue el primer DJ que mezcla cada vez viven en el show [1].
Más Top Decenas seguida, entre ellos "I Feel Love", bajo el moniker CRW y "Comunicación", grabado junto a su amigo y compatriota Mario PIU. La pista de muestreo de un teléfono móvil tono de llamada y se convirtió en un himno de verano omnipresente. Además, se Picotto del remix que propulsados York Baleares trance vía "On The Beach" a Número 1, cuando fue seleccionado por la empresa discográfica que se utiliza como el radio edit.
Dos discos como solista, El doble álbum y los otros, vinieron a continuación, en los años 2000 y 2002, respectivamente, así como remixes y producciones para los gustos de Freddie Mercury, Jimmy Sommerville, Pet Shop Boys y U2. Desafortunadamente no tener tiempo para que otros productores comiencen a dinero en efectivo en Picotto en el sonido y pronto todo el mundo estaba aping su dura, inflexible estilo. [Cita requerida] Después de haber pagado sus cuotas, y cosechando una cadena de éxitos, ha llegado el momento Picotto para la metamorfosis de trance techno estrella para empezar a superhéroe.
"Yo solía jugar de 6 horas se establecen en Gatecrasher", explica Picotto. "Pero me empezaron a crecer y la generación de gente que fue a jugar fue creciendo conmigo. Empecé a hacer la transición en techno, ya que sentía la derecha y me encantó la música. No fue como de repente me dijo, 'Bueno, ahora voy a jugar techno. "Simplemente me gusta la buena música y estoy orgulloso de que, así como la creación de nuevos fans, he traído un montón de mis viejos ventiladores conmigo y les abrió a un nuevo estilo de música ". Picotto ha hecho un estimado de 250 pistas hasta la fecha. [cita requerida]
Después de salir de Media Records en 2002, formó Picotto Bakerloo Música, así como una nueva etiqueta Alquimia, la liberación masiva de varias pistas del club, incluido el "Nuevo Tiempo nuevo lugar" y la "Alquimia del PE." Ese mismo año lanzó su Meganite parte en la Miami Winter Music Conference billetes y al instante se convirtió en deber-tienen para el ensamblado danceratti.
Desde el año 2005, Picotto ha sido el DJ residente en la ranura Meganite evento, que tiene lugar todos los miércoles durante todo el verano en Privilege, Ibiza.







Dance 4'Ever by Coco&Nut


Dance 4'Ever es una linea creada por la marca de ropa ecuatoriana Coco&nut, este tipo de prendas fueron creadas para los amantes de la vida nocturna y de la musica electronica, ya que los colores utilizados en las prendas no pasaran desapecibidos, el estilo de esta nueva linea es muy minimalista y psicodelico. Esta marca inovadora ha tenido mucho exito, presentes en los mejores eventos y junto a los mejores artistas esta marca promete mucho al mercado ecuatoriano, y quiere llegar a ser reconocida internacionalmente como la marca del siglo XXI. Esta nueva coleccion tiene una mezcla de colores con diseños milimalistas.

diseños Destacar en la oscuridad de una discoteca o en una fiesta de música electrónica es posible gracias a la nueva línea de dance for ever, compuesta por prendas que en la ausencia de iluminación resaltan detalles fluorescentes, como si se tratara de luces de neón.

Esta colección diseñada para chicos y chicas, te permitirá no tener que pasar por tu casa para cambiarte de ropa si haz decidido ir de fiesta, después de clases o del trabajo, ya que los pantalones, camisetas, complementos, que forman la línea dance for ever , son diseños casuales ideales para lucir de día, pero que se trasforman al llegar la noche.

Los jeans, llevan detalles en los bolsillos traseros y en la etiqueta, los cuales se iluminan en la oscuridad alumbrados solo por las luces de neón.

Para los chicos el diseño minimalista, mientras que para las mujeres la elección es de lo más coqueta, pequeños espejos similares a las setenteras bolas de discoteca, que se moveran sensualmente mientras tú te mueves al ritmo de la música.

En las camisetas los detalles que se vuelven fluorescentes son los diseños: dibujos y letras sólo aptas para quienes quieran destacar en todo momento.
Esta colección ha sido concebida por valeria ojeda la diseñadora de coco&nut. La coleccion dance for ever está dirigida a hombre y mujeres a los que les gustaría que el día tuviera más de 24 horas, por lo que debido a sus múltiples ocupaciones siempre están con el tiempo justo y no pueden parar (ni a cambiarse de ropa), una tendencia de vida cada vez más extendida entre la juventud de hoy.
Los detalles no deben de pasar de moda en tu vestuario por eso los cinturones a la cintura son muy llamativos pueden ser de diversos tamaños todo depende del tipo de blusa que uses y de tu figura ya que este accesorio forma la cintura si no es grueso. El cinturón da un toque elegante a la vestimenta y con un buen par de zapatos lucirás muy femenina y sofisticada.
Todos los diseños estan elaborados con el maximo diseño y calidad.La moda es tan cambiante que dia a dia hay nuevos artículos para completar el vestuario,lo que si es una realidad,es que lo de hoy se inclina hacia lo romantico,exagerado y brillante,donde el lado femenino está en su maximo apogeo. En esta colección hay una amplia gama de accesorios de moda:collares, anillos colgantes relojes sandalias broches abalorios pinzas pendientes gafas coleteros pasadores,etc. Desde estilos de accesorios muy sport,hasta conjuntos de collares y pendientes mas clasicos para salir de noche o para ir a trabajar,estos colores agridulces,contrastan con los tonos apagados de la ciudad. Anillos de swarovski collares con diseño colgantes de piedras,sandalias con adornos,coleteros de tela,pasadores decorados de muchos estilos,anillos esmaltados ,se refrescan gracias a los agridulces y picantes tonos de moda el color es protagonista en los diseños mas juveniles mientras que los tonos pasteles y neutros se muestran en las piezas mas adultas y veraniegas. El color estrella sera sin duda el azul turquesa.Los accesorios se teñiran de rojo,marino y arena y se confeccionaran en todo tipo de pieles adornadas con accesorios divertidos y desenfadados. Podremos lucir diseños funcionales de estilo urbano u otros mas chic desbordantes de glamour. Colores acidos amarillos verdes naranjas rojos rosas este verano los colores ácidos avivan en las colecciones de accesorios de moda ; disponen de un gran surtido de complementos decorados con piedras y cristal de swarovski con acabados de gran calidad. Verano de flores,la tendencia más in,llega esta primavera-verano en forma de flores.Una verdadera oleada de naturaleza envuelve todos los vestidos y accesorios. Los accesorios son esta temporada las mayores aliados para dar una imagen actual y al mismo tiempo impecable. Nunca han podido disfrutar de tanta variedad en gargantillas,collares,colgantes accesorios y complementos,que an pasado a formar parte indispensable.
Complementos moda bisuteria abalorios accesorios ropa collares pendientes pulseras anillos bolsos cinturones relojes broches camisetas chals pañuelos ponchos vestidos fashion jewelry bufandas pinzas mujer primavera.









sábado, 14 de noviembre de 2009

Tendencias coco&nut


En eL año 2010 coco&nut presenta una tendencia de moda 50 (la época más sexy, faldas a la cintura y en la parte superior bien entallado), 70 (ropa romántica) y 80 ropa descocida, con lo que esto significa que serán prendas muy femeninas y sensuales, dejando insinuar el cuerpo esbelto.

Los colores de moda esta temporada serán el azul con sus derivados, verdes, naranjas, amarillos, blanco, negro y dorado se verá el estilo de ropa de safari y sacos entallados. Pantalones al estilo chupin en todas partes un poco de flecos Enteritos, short con grandes estampados y de jean y pantalones con un toque batik.

En La tendencia de moda coco&nut 2010 se inundará la ropa de flores y rayas de todos los tamaños, tanto en blusas y pantalones.Los accesorios complementan la moda de la mujer, llevarán pulseras gigantescas en todos los colores, collares con piedras de grandes tamaños y carterotas de los colores de moda.
periodico el comercio



Concepto de moda: la moda es “una costumbre que está en boga durante algún tiempo, o en determinado país, con especialidad en los trajes, telas y adornos. Entiéndese principalmente de los recién introducidos”. Otra definición más clásica y corriente dice que “es una costumbre iniciada por una minoría prestigiada e importante, que llega a la sociedad y es aceptada por ella”.

Existe, sin embargo, otra definición de corte mucho más periodístico según la cual “la moda es un fenómeno social colectivo que retrata a un pueblo. Surge de la vida misma como medio de expresión y comunicación”. Para la periodista Margarita Rivière, la moda es como “la narrativa difusa que ha movilizado masivamente la gente de esta época a ver, comprar y convertir esa narración en parte de uno mismo” .

Los sociólogos más serios aseguran que todos tenemos varias identidades, de lo cual hay que congratularse puesto que es síntoma inequívoco de que llevamos la pluralidad dentro de nosotros mismos. La moda en la indumentaria ha puesto todo esto a nuestro alcance y lo ha convertido casi en obligación. La moda es ese mecanismo sutil que hace aflorar a la vez lo conocido y lo desconocido de cada individuo.

La moda ha regido relaciones personales y colectivas, ha levantado mitos, ha creado historias, ha movilizado voluntades y ha construido paraísos imposibles. ¿Es posible una vida sin moda? Para los españoles sería una vida sin el padre Apeles, sin el juez Garzón, o sin Mar Flores. Para el conjunto de la humanidad se convertiría en una vida sin Carolina de Mónaco, sin Clinton y Yeltsin, sin Arafat, sin Ronaldo, sin la oveja Dolly... ¿Insoportable? No, pero difícil para una gran CCparte de los países occidentales.

Pero el concepto de moda que más se adecua a nuestro objetivo es el siguiente: Moda son los gustos pasajeros que condicionan costumbres y tendencias en cualquier aspecto de la vida, aquello que tiene la atención general centrada en sí, que ha creado un momento a su alrededor.

El fenómeno moda lleva implícito unas condiciones básicas: su sentido de la fugacidad, su interés radical por el cambio espectacular, por las variaciones que desembocan en su amor incondicional por todo lo que signifique novedad. Todo lo que es moda, pasa de moda, y esa facilidad para no permanecer es lo que define el auténtico proceso de la moda.

Lo mejor es siempre el presente, por eso la moda (sobretodo la que a indumentaria se refiere), entendida como un proceso de creatividad, tiene como principal cualidad “estar en el momento”. A la moda le ocurre lo mismo que a los periódicos; como decía una antigua canción de los Rolling Stones: ¿Quién lee los periódicos del día anterior?. También podríamos cantar: ¿quién busca una moda de temporadas anteriores?

Este amor apasionado por el presente hace que lo que está en la calle, lo que se lleva en cada momento nos entre por los ojos y nos parezca lo más favorecedor, lo más bonito. En cada época se cree firmemente que la moda del momento es la expresión definitiva, la más razonable, la más estética.

Pero la exaltación incondicional del presente supone en cierta manera una descalificación del pasado, de aquello que fue y ya no es novedad. Por eso la aparición de la moda como tal (otra vez nos referimos casi exclusivamente a la moda de vestimenta), surge cuando la sociedad deja de concentrarse en la tradición y el La moda fue un invento magníficamente interesante que conformó la modernidad humana. Existe desde el siglo XIV. Apareció espontáneamente como instrumento aristocrático de diferenciación grupal, afirmación de la individualidad y embellecimiento personal. Su nacimiento significó un avance en la sensibilidad occidental.

Por todo ello, su inicial y principal función a lo largo de estos cinco siglos de vida se ha ejercido en el ámbito de la indumentaria. La moda fue la encarnación de la mediación entre una idea y su realización, para lo cual desarrolló toda la fuerza emocional de los iconos y los símbolos.

Su extraordinario desarrollo se debió a la importancia que para el hombre moderno ha tenido progresivamente la apariencia, símbolo sobre el dominio sobre las condiciones de vida. La degeneración de esa lógica deducción por las formas de las imágenes en el delirio y obsesión por el exceso de signos, el espectáculo gratuito y la virtualidad como sustituta real del mundo tangible, cierra una historia singular. Y abre también nuevas incógnitas.

Los expertos señalan tres etapas básicas en la historia de lo que se ha llamado moda aplicada a la indumentaria:

La larga etapa aristocrática, entre los siglos XIV y XIX, su utilidad común es como instrumento social para ‘distinguir la calidad de las personas. Como claro instrumento de poder, las nueva clases burguesas pugnaban por apoderarse del control de ese instrumento definitorio de identidades en las incipientes ciudades de la edad moderna, a las que la moda ayuda a transformarse en el paraíso del ver y ser visto y en el escenario donde exhibir la ilimitada ambición humana de señorear la tierra.

La etapa burguesa va desde principios del siglo XIX hasta los años 20 del siglo XX. Se amplía la base social de la moda y crea un nuevo instrumento de diferenciación para esas elites: La Alta Costura, que, a su vez, se convierte en el faro que ilumina la apariencia del mundo divulgando ampliamente los valores burgueses, entre los cuales sobresale el mandato de ser lo que se aparenta y no al revés. La moda consolida su poder de persuasión, su capacidad mediadora entre idea, imagen y realidad, su atractivo como resorte psicológico de creación de deseos. Gracias a este intermediario sutil que es la moda, madre directa de la imagen cinematográfica, se difunden modelos de vida, de emociones, y de comportamientos en el mundo entero.

La etapa consumista se inició en los Estados Unidos durante los años veinte de nuestro siglo. En este tiempo no seguir la moda equivale a la exclusión social. La moda en la indumentaria permite a una mayoría de individuos de las sociedades occidentales sentirse como los aristócratas del Renacimiento y los burgueses de la industrialización.

El carácter regresivo de la moda en esta etapa queda siempre oculto tras el carácter dinámico permanente y la intención aparentemente innovadora de sus sucesivos mensajes estéticos y sociales. El dinamismo y la apropiación de la innovación han garantizado su gran éxito entre la juventud, a la que ofreció un protagonismo durante los felices años 20 y, en especial, desde la década de los 60.

Los jóvenes hacen suya la moda hasta el punto de que no conciben una vida sin moda: sin esa orientación decisiva en la vida de cada uno de ellos. La moda ahorra el pensamiento, la elección y finalmente aniquila la incómoda responsabilidad. El enorme éxito, popular y mercantil, de su sistema de imposición de modelos y conductas en el terreno de la indumentaria y las costumbres, la introdujo como know how imprescindible en la emergente industria de los medios comunicación, la economía y la divulgación de modelos políticos y de convivencia.

La actualidad, la noticia, la fama, la notoriedad y la posibilidad de negocio han acabado siendo sinónimos de moda. El sistema de la moda y su lenguaje definen toda la cultura de la imagen simbolizada por el cine, las noticias y el espectáculo en general. Lo que está de moda es, pues, noticia y adquiere así el derecho a ser divulgado por los medios de comunicación más influyentes del globo, que son los que se sitúan al servicio de la moda, convertida en una motivación obligatoria de su conducta. El siglo veinte es, sin duda, el siglo de la moda, ese instrumento capaz de anticiparse a los deseos de las personas.

coco&nut un nuevo estilo de vestir bien




Coco&nut es un nuevo prospecto en el mercado ecuatoriana teniendo puntos de venta en ciudades como Guayaquil, Quito y Loja la marca Coco&Nut está en el mercado alrededor de un año lo que comenzó con un catalogo dirigido para personas exclusivas ahora es una un Show Room contiene modelos diseñados por la diseñadora Valeria Ojeda que ha tenido una larga trayectoria en diseñar prendas en punto una marca creada para chicos y chicas Más que una marca es una nueva forma de ser, relajada y fuera de lo común... diseñada bajo los más estrictos niveles de calidad para satisfacer todas tus necesidades de estilo... una marca exclusiva que promete mucho al mercado ecuatoriano y a los amantes de la nueva era, este Show Room queda ubicado en la cuidad de quito shiris y rio coca esquina. Su misión es ser parte de tu vida, satisfaciendo todas tus exigencias conservando la originalidad y exclusividad. Su objetivo principal es Permitir que la gente vista bien a un precio accesible, poder tener una prenda con las mejores telas importadas dar a conocer las últimas tendencias, obtener ropa para toda edad, tener asesoría de imagen gratuita, Exclusividad en cada prenda adquirida. Esta dirigido para gente de toda edad, para toda persona que le gusta vestir bien y a la moda se ha implantado en la sociedad juvenil raver es tremenda; en la clase media alta es muy fuerte. Para los hombres camisetas con muchos colores son lo más común.

CONCEPTO DE PLUR:
COLECCIÓN COCO&NUT

En un Rave la cultura es Paz, Unión, Respeto y Amor (PURA) según se cree que lo dijo un joven llamado Frankie Bones, un nativo en Nueva York, pionero en esto de los raves en América, un verdadero raver ( así se le llama a la persona que asiste a un Rave) debe tener muy en claro estas bases, no hay prejuicios, ni poses, en esos eventos la gente es como es en realidad, dejando a un lado a la sociedad que los reprime, muchas veces por ser mal vestidos o por ser mal hablados o por el tipo de música que le gusta, por eso pienso que las personas se acercan a esta cultura porque los deja mostrarse de la manera en que no pueden hacerlo en la vida diaria, aunque hay personas que no tienen muy en claro cuales son sus gustos y solo asisten por "ver que tal se pone", pero esas personas son las que si no les gusta empiezan a hablar mal de los Raves y por eso se tiene la mala imagen de ellos, así que no se necesita nada más que pagar la entrada para poder ingresar, el precio varia de acuerdo a su producción, es decir, si se asiste a un Rave de una disquera con DJ‘s reconocidos el costo será más alto y también la calidad, estos son considerados conciertos electrónicos, y será un poco más bajo patrocinado por cualquier chavo o una fiesta electrónica.

En estas fiestas, el DJ es el shaman, el sacerdote, hay de diferentes países, siendo los más destacados en el genero Psychodelic y Trance los de nacionalidad Alemana, Israelí, Sueca, Francesa, entre otras, ellos controlan los voltajes psicodélicos de la gente bailando mediante su elección de la música que es creada electrónicamente por medio de sintetizadores, teclados o por programas para computadoras y tienen un nivel muy alto de bass, aunque la mayoría de los DJ’s prefiere el 120 bpm, porque simulan los latidos del corazón, el Dj maneja a la gente como quiere, la hace moverse para adelante y para atrás como meneándose o brincar y dar vueltas por toda la explanada al compás que él esta manipulando, hay jóvenes que en el evento hacen algún tipo de malabares, como mover cadenas con bolas de fuego o simplemente hilos con luces neón al ritmo de la música para crear un ambiente callejero o loco, si son las 3 o 4 de la mañana el Dj debe bajar su potencia musical un poco porque es una hora donde los ravers están cansados y muchos se retiran para descansar o se alejan del ruido y se van a lugares especiales como lo son los chill-out donde se ponen ritmos más calmados y tranquilos como el ambient, que es una mezcla de sonidos muy suaves y placenteros que hacen viajar la mente por un momento hacia un lugar más tranquilo, para relajarse y regresar a las 5 ó 6 de la mañana para seguir con su danza hasta el amanecer, que es lo mejor, ver el amanecer mientras se mueve el cuerpo para quitar un poco el frío, pero bueno no todo es ruido en un Rave, también existen pantallas que muestran una mezcla de imágenes psicodélicas creadas por VJ’s como Chakra Corona ( muy conocido en Raves nacionales), llenas de colores, en rotación o apareciendo unas sobre otras, estructuras fluorescentes giratorias, personas disfrazadas arriba de zancos bailando, películas viejas rediseñadas de manera ilógica y que dan el efecto a la gente que los mira de prenderse o animarse para moverse de una manera diferente a como se acostumbra a bailar, pero eso depende de cómo se sienta el ritmo electrónico en el interior.